Note :

http://www.gillespetersonworldwide.com

http://www.myspace.com/gillespeterson

Origine du Groupe : Brazil , United Kingdom

Style : World Music Electro , Remix

Sortie : 2009

Tracklist :

01. Intro - Azymuth - Manha (Demo)
02. Friends From Rio 2 feat. Celia Vaz - Os Escravos Do Jo
03. Jose Mauro - Obnoxious
04. Krishnanda - Esta Tudo Ai
05. The Ipanemas - Canto Pra Oxum (Song For Oxum)
06. Clara Moreno - Deixa Nega Gingar
07. Sidney Miller - E Isso Ai
08. The Ipanemas - Malandro Quando Vaza
09. Grupo Batuque - Berimbal (Capoeira)
10. Aleuda - Galope
11. Krishnanda - Quem Sou Eu
12. Democustico - Vagalume
13. Azymuth - Melo Dos Dois Bicudos
14. Binario - Balinha
15. Joyce, Nana Vasconcelos, Mauricio Maestro - Chegada
16. Friends From Rio 1 feat. Celia Vaz - Fransisco Cat (Pressure Drop Remix)
17. Arthur Verocai - Tudo Do Bom (Domu Mash Reedit) (*)
18. Grupo Batuque - Na Batida Do Agogo (Osunlade Remix)
19. Azymuth - Depois Do Carnival (Spiritual South Remix) (*)
20. Jose Carretas feat. Zeep - Memories (*)
21. Joyce - Fejao Com Arroz (Bass Line Mix) (*)
22. Jose Roberto Bertrami & His Modern Sound - Joana
23. Alex Malheiros And Banda Utopia feat. Sabrina Malheiros - Uno Esta (*)

World renowned BBC Radio 1 DJ Gilles Peterson compiles a spectacular collage mix tape from the vaults of Far Out Recordings for this fifteenth anniversary celebration. A close friend to Joe Davis for 25 years, Gilles Peterson has been a constant supporter of the original and best UK based Brazilian record label. The pair released the original "Brazilika" compilation on Gilles' Talking Loud label 15 years ago and now go full circle with the fourth installment in Far Out's series, following block party mixes from Kenny Dope, 4 Hero  and Andy Votel. Brazilian music aficionados Peterson and Davis introduced a new generation to the cream of Brazil's bossa and post-bossa artists and here expertly blend the cream of the timeless with the new breed from Far Out's vast catalogue. Gilles Peterson's "Brazilika" includes five exclusive unreleased tracks and is the definitive collection of Far Out's work, taking us on a breathless ride through a beautiful, barmy Brazil.

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Note :

http://www.nathaliehandal.com

http://www.myspace.com/willsolima

Origine du Groupe : Palestine , Egypt

Style : Poetry , World Music

Sortie : 2006

Tracklist :

[.01.] Amrika
[.02.] Listen, Tonight
[.03.] Rachel's War
[.04.] Ephratha
[.05.] Wall Against Our Breath
[.06.] Abu Jamal's Olive Trees
[.07.] Maher Salem's Deaf Father
[.08.] Will Soliman Solo
[.09.] Electric Arabiya
[.10.] Quest for Pale Sand
[.11.] Spell, sung by Fawzia Afzal-Khan
[.12.] Spell

One of New York’s most gifted young poets (Lives of Rain, 2005, Interlink) has teamed
with multi-instrumentalist Will Soliman to join literature and music in a spare, intense
performance of understated emotional power that will surprise, delight and stun. Drawing
from published and new poetry, Handal explores themes that resonate with identities,
departures, losses and closely guarded aspirations, all coming out of her
Palestinian/American/Hispanic tossed salad of experiences. Her voice is in complete
command of her words, alternately forceful, tender, silky or indignant at injustice,
slipping amid English, French, Arabic and Spanish just enough to keep the listener
slightly off balance, not quite comfortable—for this is not a poetry of comfort—and as
rhythmic as Soliman’s atmospheric, often restrained accompaniments. Together they
produce an art that transcends the artists themselves, calling up recollections of Gil Scott-
Heron’s iconic musical poetry of African-American life in the 1960’s and 1970’s and
John Trudell’s white-hot poems, backed by Lakota song, from Native American
experience of the 1980’s.
by Dick Doughty
Saudi Aramco World

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Note :

http://www.myspace.com/orelhanegra

http://orelhanegra.wordpress.com

Origine du Groupe : Portugal

Style : Soul , Funk , Instrumental

Sortie : 2010

Tracklist :

01. A Memуria 5:34
02. Barrio Blue 3:54
03. Lord 2:40
04. A Forзa Da Razгo 3:17
05. 961 919 169 4:56
06. Tanto Tempo 3:50
07. Futurama 5:46
08. Tripical 4:22
09. M.I.R.I.A.M 3:37
10. Saudade 3:11
11. A Cura 3:53
12. We're Superfly 4:00

 Pour bien commencer la semaine, voici un excellent disque de funk portugais, Orelha Negra de ... Orelha Negra.

Comme très souvent, j'ai découvert cet album en sautant de lien en lien sur la toile. J'ai immédiatement été attiré par cette pochette où l'un des membres du groupe se dissimule derrière LA référence musicale ultime, Ivan Rebroff.

Après avoir lu un descriptif très bref (funk portugais), une seule solution s'imposait à moi : aller faire un tour le MySpace du groupe.

Ah, ils sont amis avec The Roots ... Une raison de plus pour leur prêter une oreille attentive.

Une écoute, deux écoutes et même trois écoutes de certains des titres mis en présentation me donnent envie de partir à la recherche de l'album complet (facile ...). 

Je suis déjà sous le charme de l'Oreille Noire et de son funk / soul / jazz rétro-futuriste et l'écoute intégrale de l'Oreille Noire ne fera que renforcer ce sentiment.

Mélange habile et subtilement dosé de classicisme et de métissage intelligent (quelques touches de hip-hop avec collages et samples discrets dont, me semble-t'il un emprunt à Barry White [oui, j'aime Barry White !] sur le 5ème morceau, 961 919 169), Orelha Negra parvient de plus à maintenir l'attention de l'auditeur sur toute sa durée.

 En effet, après un morceau introductif (A Memoria) permettant d'installer progressivement l'ambiance, les 5 Portugais, grâce à une alternance de titres remuants (Barrio Blue, Futurama, ...), mid-tempos (961 919 169, Tripical, Saudade [je suis incapable de reconnaître l'échantillonnage qui le parcourt aux claviers, si quelqu'un peut m'aider !], ...), planants  (Tanto Tempo [et sa jolie trompette jazzy], M.I.R.I.A.M., ...) et une formidable conclusion sous la forme d'une véritable tuerie (A Cura) et d'un hommage au maître Curtis Mayfield (We're Superfly), nous offrent un album hédoniste et cérébral à découvrir absolument si, tout comme moi, vous aimez la musique noire américaine.

Pump up the volume !

Par Thierry  

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Note :
http://www.hightone.org
http://www.myspace.com/hightoneofficialsite
Origine du Groupe : France
Style : Electro Dub , Dubstep , Breakbeat
Sortie : 2010
Tracklist :
Dub Axiom
   1. Spank
   2. Dirty Urban Beat
   3. Dub What
   4. Liqor (feat. Oddateee)
   5. Liqordub
   6. Rub-A-Dub Anthem (feat. Pupa Jim)
   7. Fly To The Moon
   8. Boogie Dub Production
No Border
   1. Space Rodeo (feat. Ben Sharpa)
   2. Bastard
   3. Home Way
   4. Propal
   5. Uncontrolable Flesh
   6. Ollie Bible
   7. 7th Assault
   8. Altered States

Après un crochet vers la scène sound system dub avec deux coffrets vinyle : « High tone dub box » et « Dub invaders  », High Tone revient à son cheval de bataille : l’album. Out Back, c’est son nom sera disponible le 17 mai en double digipack ou en triple vinyles.

Présenté en deux versets, intitulés Dub Axiom et No Border, cet album présente les deux faces du groupe, l’une liée au sens large à la musique dub et l’autre à l’expérimentation sonore. Varié, urbain et moderne Out Back ravira les amateurs de gros sons dansants et enflammera à coup sur les foules lors des lives ; il satisfera tout autant les amateurs de bidouillages sonores et de fusion improbables par son autre facette.
Procédons par ordre et consacrons nous d’abord à Dub Axiom. Cette première partie, avec son nom aussi tranché, pourrait faire penser que les lyonnais ont enfin sortit leur album strickly dubwise… mais on n’y est pas tout à fait. Clin d'oeil à Bill Laswell  et sa compilation de 1996  ou pas, High Tone présente sur Dub Axiom  sa vision actuelle du dub. Un dub fait d’influences multiples, modernes et diverses (dub stepper, dubstep, hip-hop, breakbeat), un dub urbain au son lourd et dansant. Un mélange entre ce qu’ils ont pu faire durant leurs débuts et la récente scène « bass culture » anglaise.
Les morceaux de cette première partie sont largement basés sur des riddims comme il est de tradition dans le dub, une façon pour les croix-roussiens de marquer leur attachement à ce style que ne leur rend pas toujours… High Tone apporte sa touche personnelle dans le travail des riddims, en effet ceux-ci sont déstructurés et retravaillés en cours de morceau, ils sont en constante évolution et se transforment, passant d’un son à l’autre.
L’introduction par Spank, dont la vidéo réalisée par Led Pipperz a été relayée sur les réseaux sociaux, établie bien d’ailleurs ce nouveau rapport de force au sein de leur musique (ça avait déjà un peu débuté sur Underground wooble); le morceau débute sur les bases d’un stepper urbain, renforcé à grand coup de distorsion et d’écho pour se transformer en une vision électro/dubstep, une métamorphose qui se fait progressivement au fil de l’eau. C’est, d’ailleurs, le cas d’une grande partie des morceaux d’Out back : leur fin est explosive et fait remonter à la surface les vieux démons (on sait que les HT ont été insipiré par ce milieu) des free parties où électro, drum and bass, hard tek et prémices de dub se mêlaient. High Tone réactualise ce concept en y ajoutant même des sonorités dubstep et breakbeat. Du coté du dub on retrouvera donc une fusion quasi permanente entre les composantes dub (riddim, skank, reveb, echo, effets…) et une autre forme de musique… souvent du dubstep comme dans Spank ou Dub what ou encore hip_hop comme dans Liqor en featuring avec Oddateee. À noter le très bon morceau en compagnie du MC de Stand High (Puppa Jim) : « Rub a dub Anthem » qui est un bon stepper inspiré et dédié aux sounds et dont les dubplates risquent de tourner sur les sonos dans les prochaines sessions. La voix et le timbre si caractéristique du MC sublime le morceau en un hymne (c’est d’ailleurs le titre). A souligner aussi le très bon dub dirty cosmique qu'est Fly To the moon qui prépare la transition vers la deuxième partie dans une style stepper électrique.
Une très bonne première partie de l’album qui confirme qu'High Tone sait faire du bon son, du son puissant et novateur toujours dub mais sans rentrer dans le carcan psychorigide des puristes.

High ToneChangement de cap sur No Border, où High Tone s’essaye à des nouvelles fusions. On retrouvera un certain nombre de guitares saturées et des morceaux ou l’ambiance prime plus que l’efficacité rythmique. On appréciera cette nouvelle facette du groupe qui démontre encore une fois leur talent. Un talent exprimé sur des versants rock et électro ambient. Sur cette partie les atmosphères sont plutôt sombres et apocalyptiques, le coté obscure !? De nouveaux instruments/samples font leur apparition comme des sons de violons, des contrebasses et des structures qui ne correspondent pas à l’image que l’on se fait de High Tone… Ces digressions sont plutôt inhabituelles mais elles se prolongent souvent par un retour au son de base des lyonnais, entre dub et électro mouvementée comme sur « Uncontrolable Flesh » ou les contrebasses du début cèdent leur place au fur et à mesure à un son électro dirty. Sur « Ollie Bibble », où vous noterez le jeu de mot en référence à la culture skate (culture urbaine again), l’expérimentation s’oriente vers des sons à la limite du glitch et rappelle l’univers déjanté de Autechre ou de AFX, le son est déstructuré, haché, mixé et malgré tous les traitements subit semble rester en vie, comme un cœur qui repart après un passage par zero pulsation/minute (cf votre série hospitalière favorite). La fin du disque et plus particulièrement « 7th Assault » sonne très rock, un long morceau qui fait penser à ce qu’a pu faire Ez3kiel sur Battlefield ou encore à la fusion des rouennais normands de Guns of Brixton …
La partie No border regorge de nouveautés pour les lyonnais, ils démontrent ici leur savoir faire et à coup sûr se sont fait plaisir en réalisant des morceaux complètements différents.

High Tone poursuit sa lancée dans ce dub urbain qu’ils affectionnent tant, véritable concentré d’influences digérées. Out Back est clairement un des albums les plus surprenants du groupe lyonnais, a écouter sans modération et a apprécier en live parce que c'est toujours mieux !
Par niz
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Note :

http://www.lastfm.fr/music/Mezei-Bakos-Mezei

Origine du Groupe : Hungary

Style : World Music , Folk

Sortie : 2003

Tracklist :

01. Adjon Isten rózsáim
02. Nekünk a legszebbik estét
03. Elmegyek elmegyek
04. Búzaszemet szed a galamb
05. Veress az ég
06. Verjen meg az Isten
07. Készülj lovam készülj
08. Én vagyok az aki nem jó
09. Édesapám s anyám
10. Fejér retek fekete
11. Az éjjel álmomban
12. Mikor leány voltam
13. Szent István köszöntö
14. Édesanyám valahára
15. Kelj fel keresztény lélek
16. Zöld az erdő

The trio playing Hungarian folk music from the Voivodina. Flows out primarily onto the Moldavian folk music from his musical instrument combination concentrates. From Bakos Árpád complex folk musician and theatre musician working class, the actress's and directing Mezei Kinga specific folksong singing attitude and the composer's fields firm Improvisate one and free-jazz a folk music world interpreted peculiarly emerges from his musician attitude. The trio's capital aim a so folk music processing manner, which tries to remain loyal to the original diction,, at the same time in the Hungarian folk music like that present tries to make the music today's one and a living person through an improvisation naturally.

by http://bluesmen-worldmusic.blogspot.com

THANKS !

Note : ++

http://www.myspace.com/flykkiller

Origine du Groupe : Poland

Style : Electro

Sortie : 2007

Tracklist :

1 Flykkiller
2 Peroxide
3 Fear
4 Sell My Pulse
5 Shine
6 Get All Pulled Out
7 Controlled Environment
8 B Murphy
9 Music For Twelve Wounds
10 Cze Nie Szkoda Ci
11 Flykkiller (David Holmes Remix)

The purported story behind the duo FlyKKiller is that these songs were created by an extra terrestrial creature named V, who only wishes to pass peaceful communications to earthlings, yet V is held in captivity at the FlyKiller Institute in Poland. Her captors and keepers (Pati Yang and Stephen Hilton) have taken the recordings and put them out on the market to finance their scientific research. Yang is one of Poland's leading electronic artists (at the tender age of only 18!) and Hilton is known for his collaborations with David Holmes and Siouxsie Sioux's first solo outing, soundtrack work on two James Bond films as well as numerous other motion pictures, and his work behind the boards as producer of recordings by Pulp, Depeche Mode and Sir Trevor Horn. So here are the otherworldly first results of the duo's experiments to date, spurred on by V. They're unlike anything you've yet to hear in this lifetime.

FlyKKllr 2007

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Note :

http://www.theex.nl

http://www.myspace.com/theexnl

Origine du Groupe : Ethiopia , Netherlands

Style : World , Jazz Fusion , Experimental

Sortie : 2006

Tracklist :

01/ Ethiopia Hagere
02/ Sethed Seketelat
03/ Eywat Setenafegagn
04/ Che Belew Shellela
05/ Aynamaye Nesh
06/ Aynotche Terabu / Shemonmwanaye
07/ Musicawi Silt
08/ Tezeta
09/ Almaz Yeharerwa
10/ Tezalegn Yetentu
11/ Aha Begena

Le goût prononcé des infatigables The Ex (25 ans de carrière, plus d'une vingtaine d'albums, un nombre incalculable de concerts) pour les rencontres musicales improbables n'est pas nouveau (on se souvient, entre autres, de leurs albums avec Tom Cora). Cette curiosité les a amenés depuis quelques années déjà vers l'Afrique, comme en témoigne ce disque.
A l'initiative passionnée de leur guitariste et membre fondateur Terry Ex, grand connaisseur et défenseur des musiques d'Afrique de l'Est, le groupe enregistre déjà quelques tournées en Ethiopie. Suffisamment pour qu'il devienne un véritable ambassadeur pour les grands musiciens de ces contrées offrant même à certains de nouvelles carrières artistiques sur scène et sur disque. "Moa Anbessa", leur dernier album (mi-live mi-studio) est l'illustration parfaite de cette démarche et vient couronner leur récente tournée avec l'Ethiopien Getatchew Mekuria. Ce monsieur surnommé le négus du sax (rien que ça) est dépositaire du Shellele, genre assez virulent qui lui fut inspiré par des chants guerriers traditionnels. Tout au long de ce disque composé d'adaptations plus ou moins libres de grands thèmes éthiopiens, Getatchew mène la danse avec son jeu puissant et son style très personnel (notamment un vibrato démentiel) qui se marie parfaitement avec les sonorités punks des Hollandais. A aucun moment la rencontre de ces deux mondes ne semble bancale, Getatchew Mekuria et The Ex ayant parfaitement réussi à mixer leurs univers, en particulier sur des morceaux comme "Almaz Yeharerwa" et "Tezalegn Yetentu" où le chant crié typiquement "exien" de GW SoK alterne avec les phrasés de Getatchew. C'est terriblement efficace et certains morceaux nous emmènent dans des transes débordantes d'énergie (il faut dire que ce joyeux big band compte 10 musiciens !) Voila, tout ça est chaud, puissant et hautement jubilatoire. On est bluffé par la vitalité que le septuagénaire insuffle à sa troupe punk d'un jour. Et puis, ce disque est aussi un bel objet édité sur Terp (le remarquable label de Terry Ex) et accompagné d'un copieux livret retraçant l'ensemble de la carrière du musicien éthiopien.

Cyril Lacaud

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From Wikipedia :

Gétatchèw Mèkurya s'initie jeune aux instruments traditionnels éthiopiens tels que le krar et le mèssengo, avant d'opter pour le saxophone et la clarinette. Adolescent, il commence sa carrière en 1948 au sein du Municipality Band d'Addis-Abeba et intègre le fameux Police Orchestra en juillet 1964 au sein duquel il accompagne les chanteurs Alèmayèhu Eshèté, Hirout Béqélé et Ayaléw Mèsfin[1]. Il a compté parmi les premiers musiciens à jouer une version instrumentale du chant guerrier éthiopien Shellèla . C'est avec la sortie de l'album Negis of the Ethiopian Sax que Mekuria s'est fait connaître sur le plan international comme l'un des musiciens les plus importants de l'Éthio-jazz. Il a fait une longue carrière au sein de plusieurs des grands orchestres de la capitale éthiopienne. Il vit toujours à Addis-Abeba  et se produit régulièrement au Sunset Bar du Sheraton.
De 1974 à 1994, il est professeur de musique des orchestres de police d'Addis Abeba où il vit toujours actuellement .

Collaboration avec The Ex :
Depuis 2004 il collabore régulièrement avec le groupe post-punk  The Ex, qui l'a invité à jouer lors de son concert anniversaire à Amsterdam. En retour, Mekuria a demandé à The Ex de participer à son album Moa Anbessa de 2006. The Ex et Mekuria ont fait une tournée ensemble aux Pays-Bas, en Belgique et en France en 2006 et 2007.

Note : ++

http://www.lizzfields.com

http://www.myspace.com/misslizzfields

Origine du Groupe : North America

Style : Electro Remix

Sortie : 2009

Tracklist :
01. When I See You (The Journey Remix) 07:47
02. Day, Day, Day (The Orwell Remix) 05:47
03. Gott Go (Gotta Bounce Remix) 05:48
04. Speak The Language (Dub Remix) 04:58
05. Brooklyn Flowers (Transatlantic Remix) 09:56
06. Pleasureville (Buttakrunch Remix) 07:22
07. Day, Day, Day (Afrodub Remix) 05:51
08. Day, Day, Day (Loungin' Remix) 06:41
09. Speak The Language (Digi-Mod Remix) 03:42
10. You're Livin' (They Say Remix) 05:12
11. It's Ok To Love Me (Hot Coco Remix) 05:10
12. Brooklyn Flowers (Transatlantic Remix Edit) (Bonus Track) 03:56
13. Gotta Go (Gotta Bounce Radio Remix) (Bonus Track) 04:16

Lizz Fields delivers a brand new sonic treat for all ears with an intense compilation of remixes of songs from her latest album "PleasureVille" along with a few surprises for her fans of her first indie classic album "By Day By Night".
Those of you who embraced her trademark song "When I See Love" will be excited to know that Lizz gives new life to the song with a haunting mixage of electro ambient soundscapes and syncopated beats that will take you on a cinematic journey.

Directly off her last album "PleasureVille", Lizz selected her leading tracks to remix ("Day Day Day", "It's Ok To Love M", "PleasureVille"...) fusing healthy doses of Dub, Electronic bleeps and zaps along with Lounge tracks for the after hour chill out vibe.
Known to be eclectic while staying authentic to her soulful style, Lizz Fields invites the listener to  experience her songs in a new realm that spans from the bombastic Dub mix of "Speak The Language" ( a song she originally wrote out of a collaboration with the Jazz Liberators ) to slick and bouncy new version of " I Gotta Go "to the laidback vibe of the AfroDub and Loungin' mixes of "Day Day Day"....just to name a few.
There is plenty to explore in this radiant compilation and if you feel like jumping on board of this train you will find yourself transported to a colorful realm of soulfulness and sweet sweet rhythms.

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Note :

Origine du Groupe : North America

Style : Blues

Sortie : 1940

Tracklist :
01 Careless Love
02 Prison Bound
03 Hard Time Blues
04 Monday, Tuesday, Wednesday
05 Motherless Children (part 1)
06 Motherless Children (part 2)

Joshua Daniel White (February 11, 1914–-September 5, 1969), best known as Josh White, was a legendary American singer, guitarist, songwriter, actor, and civil rights activist. He was also known by the name "J King".

White's anti-segregationist and international human rights political stance presented in many of his recordings and in his speeches at rallies resulted in the right-wing McCarthyites incorrectly assuming that he must have been a Communist. Accordingly, from 1947 through the mid 1960s, White was caught in the vise grip of the anti-Communist Red Scare, and combined with his resulting attempt to clear his name, his career was harmed immeasurably. However, regardless of the purists' debate over the artistic change in his presentation or from those who opposed his politics, White unarguably inspired several generations of guitarists with his new and unique stylings and techniques, and is cited as a major musical and social influence by dozens of future stars.

"Harlem Blues" was a set of three 78 rpm singles, recorded March 7, 1940 in New York City

by Zero G Sound (Thanks !!!)
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More info : http://en.wikipedia.org/wiki/Josh_White

Note :

http://www.anamoura.net

http://www.myspace.com/anamourafado

Origine du Groupe : Portugal

Style : World Music

Sortie : 2009

Tracklist :
01 Leva-Me Aos Fados 3:00
02 Como Uma Nuvem No Cu 3:10
03 Por Minha Conta 3:32
04 A Penumbra 2:44
05 Caso Arrumado 2:22
06 Talvez Depois 3:16
07 Rumo Ao Sul 3:51
08 Fado Das Aguas 3:15
09 Fado Vestido De Fado 2:32
10 Critica Da Razao Pura 2:56
11 De Quando Em Vez 4:00
12 Fado Das Mgoas 2:44
13 Aguas Passadas 4:08
14 Que Dizer De Ns 4:42
15 Nao Um Fado Normal 4:23
16 Esta Noite 3:05
17 Na Palma Da Mao 3:17

Ana Moura is a Portuguese fado artist who, like her contemporary Raquel Tavares, has collaborated extensively with songwriter and producer Jorge Fernando, producing work shaped equally by pop and fado traditions. (Fernando has released pop records under his own name, but was also a guitarist for fado’s greatest star, Amália Rodrigues.) “Sou do Fado”, a song by Fernando which appears on Moura’s first album, was structurally quite far from fado, yet also insistently laid claim to the genre: “Sou do fado / Sou do fado / Sou fadista” (“I am of / from fado ... I’m a fadista”). Aconteceu (2004), her second album and a double CD, placed songs derived from pop songwriters such as Tozé Brito and writers of fado canção (the more modern refrain-based form of fado) on the first disc and a series of castiço (traditional) fado melodies on the second.

By the time of her third album, Para Além da Saudade (2007), constructed via a similar mixture of traditional and contemporary elements, Moura had perfected a style of singing as clear and direct as another contemporary, Katia Guerreiro, while also developing the look and outlook of a successful pop artist. This combination would earn her acclaim at home (Para Além was a critical and commercial success) and the notice of major international rock and pop stars. Following a concert by Moura at La Cigalle in Paris, it was reported that Prince had flown across the Atlantic in order to see her perform and that the two singers had made plans to record together. It’s unclear whether these plans will come to anything, but an earlier Rolling Stones-related project was released in 2008 (Moura also joined the group onstage in Lisbon to sing “No Expectations”).

Moura’s fourth album, first released in Portugal in late 2009, arrives on the back of a steadily growing fanbase and an increasing international visibility. It shouldn’t disappoint either her existing fans or those open to the twists and turns enacted on tradition by the so-called “new fadistas” of the last decade or so. Fernando is once more at the helm, providing production, guitar, and songwriting skills (more than half of the songs are written or co-written by him). In addition to Fernando, Moura is accompanied by the brilliant Custódio Castelo on guitarra portuguesa and Filipe Larsen on acoustic bass. The high production values evident on previous releases are extended to the production of the CD booklet, which includes (for once, excellent) English and French translations of the Portuguese lyrics.

It’s immediately obvious from the opening title track (translated in the CD booklet as “Take Me to a Fado House”) that the vocal attack and phrasing that Moura showcased so well on Para Além da Saudade has been retained. Backed by Castelo’s subtle interventions on the guitarra, Moura manages to evoke a number of fado’s most important elements: its sense of melancholy, of fatalism, and of itself (in a typically self-referential twist, going to the fado house is offered as the cure to the sense of melancholy being simultaneously hymned by this very fado).

It is tempting to describe the next track, Tozé Brito’s “Como uma Nuvem no Céu” (“Like a Cloud in the Sky”), as a much brighter piece. Certainly it is taken at a faster pace, the guitarra providing the necessary rhythmic constancy for Moura’s voice to skip through. But brightness suggests clarity and there was absolutely nothing unclear about the title track; rather, there is almost breathless optimism here where there was acceptance before. This is a song of love and fidelity; despite what the naysayers claim, these lovers will have the constancy of rivers flowing to the sea: “I, too, run to you / And that will never change”. The verses, in true fado fashion, list the challenges to love like a litany of the doomed, while the chorus offers a joyful renunciation. Personally, this is not what I go to fado for, and I have been rather underwhelmed by the increase in upbeat, clapalong numbers in recent recordings and performances by Mariza, for example. But here, Moura’s voice rescues the song, its grit rising to suggest defiance rather than naïve joy. It works, just.

“Por Minha Conta” (“On My Own”) deploys a strategy Fernando and Moura have used before, opening on a musical setting that suggests affinities with the big pop-influenced ballads of contemporary soul or country music. But the track is almost immediately reterritorialized by the entry of Moura’s voice, verging on dissonance and the minor language of classic fado. The background remains simple, allowing the singer to do the bulk of the work; there is no need for instrumental welling-up or other obvious emotional nudges. What marks a good Moura performance, as evidenced here and on the following track, “A Penumbra”, is the rising of the voice out of what Roland Barthes might call the song’s “studium” (its setting and narrative: what it is about) to emphasize a “punctum” (the point that pierces the listener’s consciousness).

And so it continues, a series of seemingly simple songs made markedly more complex by these outbursts of vocal emotion which, like Barthes’s arrow-like puncta, shoot from the text to pin the listener down with a demand that they hear this singer and the pain that haunts her. Many of these songs are expressions of haunting, listing memories, forgettings, regrets, and the fetishized objects to which memory and regret are fastened, even if these objects are only words. “What I kept are the phrases we exchanged”, sings Moura on “Talvez Depois” (“Perhaps Later”), “My clothes, books: these I left behind / Let them gather dust”.

The ventures into pop-balled territory are not always successful. “Rumo ao Sol” possesses considerable melodic beauty, but it seems an obvious beauty, lacking that extra grit which fado demands. Its sadness seems as gaudy as the joy of the Brizo track, but Moura’s voice does not rescue it this time. There is no depth or deconstruction to her reading of the lyric. Listening, you feel sadder but you don’t feel challenged.

“Fado das Águas” uses the melody by Alfredo Marceneiro made famous by Amália Rodrigues’s “Estranha Forma de Vida”. Because of the centrality of Amália’s song to both her career and twentieth century fado, “Fado das Águas” is already engaging in a considerable amount of cultural work before we even take account of the lyrics used by Moura, which are by Mário Raínho (who has also written for Mariza, among many others). It’s a beautiful piece, the timeless melody meshing wonderfully with lyrics in which the poetics of fado are writ large from the outset: “In the river that flows / Over the riverbed of my voice / There’s a longing that dies”. A fado album would not be complete without at least one mention of the famous Portuguese longing known as saudade. Here, singing is rather marvelously put forward as the magic key that will dispel saudade, a recognition of the sublimatory or cathartic powers of the voice.

Moura sensibly follows this history-referencing number with a melody from the traditonal “fado tree”, with the title “Fado Vestido de Fado” (“Fado Dressed as Fado”). Indeed it is, and this was the right time for Moura to remind us of her ability to play it straight. Another traditional setting is used for the brilliantly titled “Crítica da Razão Pura” (yes, “Critique of Pure Reason”), with a lyric by Nuno Miguel Guedes that asks, “Is it worth knowing / what makes up a passion?” “De Quando em Vez”, featuring another of Raínho’s lyrics, this time set to music by João Maria dos Anjos, provides one of the album’s finest examples of Moura’s timbral control and sense of phrasing, and also some of Castelo’s loveliest guitarra work.

The final track of Leva-me aos Fados signals a departure, as suggested by its title, “Não é um Fado Normal” (there is a version of the album with an additional two tracks on it, which was originally produced for exclusive sale in Fnac stores). Indeed it isn’t a normal fado, having been written by Amélia Muge and featuring the Portuguese folk group Gaiteiros de Lisboa, known for their use of pipes and choral singing. Muge is a Portuguese musician who has been releasing solo records since the start of the 1990s and whose own work is based on an experimental mixture of rural folk, jazz, world music and classical styles.  Her “Fado da Procura” was a standout of Moura’s last album. The collaboration is not unlike those found on recent albums by “new fadistas” Mariza, Cristina Branco, Mísia, and Mafalda Arnauth (who has recorded a number of songs written by Muge). Like those projects, the results are likely to be divisive. If the desire is to break down barriers between fado, folk music, and pop (and, in the case of Mísia’s recent work, rock), then it does the trick. For me, the use of polyphonic singing here is more intrusive than in the subtler work of António Zambujo, and I’m not sure the pipe really fits in with the other instrumentation.

Overall, though, this is another excellent showcase for Moura’s art, with at least half of the album’s tracks standing out as classics. It will be exciting to experience what the singer does with these new additions to her repertoire when she takes them on tour. As for the potential Prince collaboration, we will have to see whether fate wishes it to be or not.

By Richard Elliott

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